De las imágenes, casi todas en blanco y negro, que se reproducen una y otra vez en las televisiones de todo el mundo sobre el golpe de estado de Pinochet en Chile, hace pronto 36 años, unas de las más impactantes fueron filmadas por un argentino Leonardo Henrichsen, y le costaron la vida. Su cámara registró la escena de como un grupo de soldados descendía de un camión, uno de ellos descubría su presencia en la calle, le apuntaba y fríamente disparaba contra él. La cámara tembló. Otro uniformado repitió los disparos. Fundido a negro... para siempre.

"Aunque me cueste la vida" se titula el documental sobre la vida de Henrichsen, quien antes de filmar su propio asesinato a mano de militares fascistas había inmortalizado el funeral de Kennedy o la persecución de Ernesto "Che" Guevara en la selva boliviana. Se trata de una realización de sus compatriotas Silvia Maturana y Pablo Espejo, que por primera vez se exhibe esta semana para el público capitalino en la Cineteca Nacional de Chile hasta el día 25 de este mes.

Los hechos, recuerda el diario la Tercera, en realidad no sucedieron durante el golpe que costó la vida a Salvador Allende y la Democracia a todo un país, sino a un preludio, el llamado "tanquetazo" del 29 de junio de 1973, casi tres meses antes del definitivo levantamiento militar y su consiguiente estela de asesinatos y desapariciones. Fue en la calle Agustinas, en pleno centro de Santiago, y el rescate de su filmación es propio de una peripecia de ficción cinematográfica.

Henrichsen, herido de muerte, fue trasladado a un hospital donde murió al poco. Los mismos militares que acabaron con su vida se quedaron con la cámara, y sin saber bien qué hacer con la prueba de su delito, la arrojaron a una alcantarilla, con la mala fortuna para ellos de que empleados de la productora Chile Films desde un edificio les vieron hacerlo. Ellos alertaron a las autoridades legítimas, se recuperó el material y fue enviado a Buenos Aires para ser positivado. El resultado dio la vuelta al mundo y meses después sirvió para ilustrar las primeras informaciones sobre el asalto a la Moneda y el final de la Democracia en Chile.

Estrenado en Argentina el año pasado, "Aunque me cueste la vida" tiene el alto valor periodístico de localizar al primer soldado que disparó contra el camarógrafo, el militar retirado Héctor Bustamante, quien cobardemente escapó cuando los cineastas quisieron entrevistarle. Nunca cumplió ni él ni el segundo soldado pena de cárcel por el crimen, pero Bustamente murió de cáncer en 2007, poco después de ser grabado por Maturana y Espejo.

Es casi una tradición pensar en Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solás, como dos cineastas de estilos irreconciliables: algo así como la cara y cruz de una misma moneda. Para Titón abundan los elogios relacionados con la agudeza temática; para Solás, el enaltecimiento se asocia a una puesta en escena que deja ver influencias del mejor Visconti. Pareciera entonces que entre ambos autores no hay conexión alguna; que se mueven en órbitas totalmente distintas y distantes.

Sin embargo, la verdad es que a mí no me sorprende esto que ahora me cuentan: que Humberto Solas había decidido desde el año pasado que su festival de Cine Pobre le rendiría homenaje a Tomás Gutiérrez Alea. Es mas, eso me recordó aquella ocasión en que Solás participaba en uno de los Talleres de la Crítica en Camaguey, y menciónó en público la admiración que sentía por “Memorias del subdesarrollo”. De hecho, siempre he encontrado demasiados parecidos entre la escena inicial en que Sergio se mueve en medio del carnaval, y la también preliminar de “Un día de noviembre” en que Esteban igualmente es presentado al espectador en medio de un jolgorio colectivo.

Por otro lado, hemos sido testigos de ese giro que en las postrimerías de su carrera, propició que Humberto Solas defendiera un festival donde la ética va por delante de la estética. Pues bien, yo diría que Titón anticipó buena parte de esa cosmovisión humanista del cine; o si no leamos el siguiente fragmento de una carta que Alea le enviara a Alfredo Guevara en el lejano 1968, donde habla de la necesidad de fomentar lo que llama “cine marginal”, y que en espíritu coincide con el “cine pobre” defendido por Solás. Decía Titón en la carta:

“Será un cine en 16 mm (al menos por ahora y como consecuencia de factores: posibilidad de utilizar equipos ligerísimos que permitan al mismo tiempo grabar sonido directo, es decir, la cámara Eclair silenciosa, en sincronía con la grabadora Perfectone). Será un cine directo, sin ningún efecto especial, lo cual no quiere decir que la cámara y el micrófono deban operarse siempre sincronizadamente. A veces, muchas veces, deben complementar ambos el análisis de una realidad cualquiera (por ilustración o por contraste). Utilizará un personal reducidísimo: un director, un camarógrafo y un sonidista. En caso necesario, la utilización de luces será reducida a su más elemental expresión, lo cual supondrá el empleo de un solo hombre adicional”.

Ambos realizadores sabían que la esencia de un arte que busca perdurar en el ser humano (y no solo en los museos que después visitarán los grupos más ilustrados), ha de rastrear su forma de expresión más depurada, en la realidad desnuda de artificios. Titón y Solás, cada uno a su manera, se hicieron adictos a mejorar esa realida

Francis Ford Coppola (7 de abril de 1939, Detroit) es guionista, productor y director y acapara cinco premios Óscar. Ahora, a sus 70 años, vuelve a reinventarse con "Tetro", porque a su historia, aunque extensa, le faltan muchos capítulos. Enamorado del cine puede enorgullecerse de haber transmitido esa pasión a su familia como demuestra ser padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola, así como tío del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage.

Hijo de una familia de emigrantes napolitanos, su infancia no fue agradable. A los nueve años contrajo la poliomielitis, lo cual le obligó a permanecer en cama durante una larga temporada.

Tras graduarse en Artes teatrales en UCLA, en 1963 escribió y rodó su primer proyecto, "Dementia 13", a la que siguió "Ya eres un buen chico" en 1967. Siempre valoró en igual medida su labor como director y como guionista. De hecho su primer Oscar llegó por el guión de "Patton" (1970) que le abrió las puertas para llevar a la gran pantalla uno de los clásicos más importantes del séptimo arte: "El padrino" (1972). Su adaptación del libro de Mario Puzo le valió dos nuevos Oscars al Mejor Guión Adaptado y a la Mejor Dirección. Se había convertido "en un joven que se hizo rico de la noche a la mañana".

Los años 70 fueron especialmente dulces para Coppola. Avalado por su gran éxito, dirigió y escribió en el mismo año (1974) "La conversación" y "El padrino II". De la primera comenta que "es quizá la película que más quiero porque no sólo la dirigí, sino que escribí el guión y mi aspiración siempre ha sido la de ser ambas cosas, algo que espero hacer muchas más veces antes de ir al gran viñedo del cielo". El reconocimiento a este film llegó con la Palma de Oro en Cannes y varias nominaciones a los Oscars y a los Globos de Oro.

"El padrino II" fue la consolidación. Por primera vez una secuela ganaba el Oscar a la Mejor Película, al Mejor Director y al Mejor Guión Adaptado elevando a Coppola como uno de los más grandes de la historia.

Antes de acabar esa gloriosa década nos regaló un nuevo trabajo: "Apocalypse Now" (1979). Un fracaso comercial que el paso de los años se encargó de ensalzar. Como él mismo comentó: "Tuve que financiar el film con mis viñedos. Durante años pensé que perdería todo. Ahora, "Apocalypse now" es un clásico y una de mis películas más personales". Su particular visión de la guerra de Vietnam se materializó en su segunda Palma de Oro y en varias nominaciones a los Oscars.

A partir de ese momento sus trabajos empezaron a perder fuerza. Siempre mantuvo el gran don que había recibido para crear pero sus mejores tiempos ya habían pasado. De los 80 y 90 podemos rescatar "Rebeldes" (1983), "Cotton Club" (1984), "Peggy Sue se casó" (1986), "El padrino III" (1990) que sellaba una de las mejores trilogías del cine mundial y "Drácula de Bram Stoker" (1992).

Como productor apoyó, por ejemplo, a su amigo George Lucas en sus dos primeros filmes: "THX-1138" y "American Graffiti".

Tras 10 años en blanco, en 2007 volvió con "Youth without youth", una película muy personal que no logró una gran distribución y fue ninguneada por la crítica. Sin embargo para él "hay otra clase de cine que es arte. Cuando se escribe una novela o se pinta un cuadro para expresar lo que se siente, uno no tiene la seguridad de que vaya a gustar".

Ahora está a punto de estrenar "Tetro", la que considera su "segunda película de mi nueva carrera", protagonizada por Vincent Gallo y Maribel Verdú, que él mismo se ha encargado de financiar, con coproducción española.

Se siente pleno y la muerte ya no le preocupa "porque morir, todos moriremos solos, pero la diferencia es ese momento de gracia, en el que podré pensar en la vida tan interesante que he tenido y así no me daré cuenta de que me estoy muriendo."

Francis Ford Coppola demuestra que una buena historia también puede ser una historia feliz.

Dos atractivos actores de origen caribeño, la descendiente de dominicanos Zoe Saldaña y el puertorriqueño Amaury Nolasco, han visto sus nombres relacionados esta semana con importantes títulos norteamericanos. La primera tiene una oferta para formar parte del reparto coral de "The losers", adaptación de un conocido comic de acción. Por su parte, el boricua Nolasco se ha incorporado al rodaje ya en marcha de "The rum diary", producida y protagonizada por Johnny Depp.

Este 2009 va a ser sin duda importante para la actriz y bailarina dominicana nacida en New Jersey, ya que muy pronto la veremos en el papel de Uhura en la recreación que J.J. Abrams ha hecho del clásico de la TV y el cine "Star Trek", y sin salir de la ciencia-ficción trabaja en la esperadísima "Avatar", de James Cameron, para la que aún tendremos que esperar unos meses.

Ahora, la propuesta que medita Saldaña es para participar en "The losers", de Sylvain White, basada en el cómic de Vertigo/DC Comics sobre un equipo de las fuerzas especiales que es traicionado por su líder, quien cree haber acabado con todos sus miembros. Sin embargo, estos han sobrevivido y emprenden la ruta de la venganza contra él y la CIA que les ha dado por muertos. Zoe podría incorporar a una soldado de prodigiosa puntería. Jeffrey Dean Morgan ya está confirmado en el elenco e Idris Elba, el recordado "Tinker Bell" de la serie "The wire", también ha sido sondeado para otro papel.

Por su parte, Nolasco ha visto anunciado su nombre esta misma semana, con el rodaje ya iniciado, en relación con "The rum diary", el largamente gestado y muy querido proyecto de Johnny Depp, quien quería volver a convertirse en alter-ego de Hunter S. Thompson en la recreación de su novela sobre los años de juventud, mujeres, ron y problemas que vivió en Puerto Rico el inventor del llamado "periodismo gonzo".

El actor-productor, al que dirige en el film Bruce Robinson, estaba ya acompañado por Aaron Eckhart, Amber Heard, Richard Jenkins, Giovanni Ribisi y Michael Rispoli. Amaury Nolasco, un rostro conocido ya gracias especialmente a la serie de TV "Prison break", ha aparecido también en conocidas cintas de entretenimiento y acción como "Transformers" y "Max Payne", y a finales de año estrenará "Armored".

Su papel en "The rum diary" es el de Segura, hijo y heredero del más importante industrial del cemento en Puerto Rico

MUESTRA DE CINE DE PROVINCIA
Ha terminado la Primera Muestra de Cine de Provincias, en la cual lo mejor sin lugar a duda ha sido "Tu Mundo en la Calle" y el demo de "El Mito Ciguapa". Merece un reconocimiento por el precedente creado: "Cenizas del Mal" y "Navarrete" - con todo y sus fallos, y la petición a los creadores de "Mujer Infernal" para que continuen desarrollando sus producciones, pero sobre una base de mayor preparación.
Sobre "Tu Mundo en la Calle", hay que decir que fue una joya descubierta al final del ciclo. Se impone reconocer la idea de la Dirección Nacional de Cine y Secretaría de Cultura.Fue una demostración, sin precedentes, del cine que se hace fuera del ámbito de la industria, sin recursos, sin preparación académica especial, sin mecanismos de mercadeo. Una evidencia de una calidad en bruto que debe ser repensada y respaldada.Lamentablemente, esta primera muestra no convocó a todo el público que debió haber llenado cada noche la sala de proyección de la Cinemateca Dominicana. Debieron haber asistido cada noche, en busca de jóvenes talentos y de proyectos de cine para retomar y producir con todas las de la ley; directores, empresarios y una colectividad menuda integrada por actores, técnicos y los amantes del cine.
No hubo una premiación, pero nos permitimos la licencia de premiar:"Tu Mundo en la Calle" - la mejor película de la Muestra."El Mundo Ciguapa" - mejor proyecto en cuanto su producción."Las Cenizas del Mal" - mejor proyecto desde el punto de vista de la forma en que se produjo al involucrar a una universidad como productora."Mujer Infernal", un proyecto que debe volver a hacerse con mejor preparación y guión de parte de su equipo.

La joya de la Muestra"Tu Mundo en la Calle" (Mario Mervin Díaz, Nizao, provincia Peravia) - Thriller

Entendiendo sus limitaciones técnicas y las extremas condiciones de cine provincial independiente, lo que se descubrió tras la costra del carbón, fue el diamante en bruto, reclamando la atención de un publico que aportó apenas 18 personas a una función de cine que sorprendió, sedujo y marcó el alma de quienes vencieron la fuerza de las etiquetas y los tabúes que destacan en la mente cuando se habla de “cine dominicano” y que se redoblan cuando ese cine es, además, provinciano.Todo el esfuerzo de la Dirección Nacional de Cine y la anfitriona Cinemateca Dominicana valió cada una de las jornadas de organización de este ciclo, tan sólo por la presentación - además de otras producciones. Las razones asaltan el sentido del espectador debido a:- La calidad de su concepto- La actualidad del tema- El dominio y uso adecuado del lenguaje “de la calle”- Sus actuaciones improvisadas, honestas y efectivas- La caracterización de cada uno de sus personajes principales- Lo primario de sus efectos especiales, su ritmo- El uso de la cámara en manos libres,- Su poder como denuncia social en torno al avance de las drogas y las veleidosas formas en que el fenómeno delincuencial que está comprometiendo desde la infancia hasta las filas de quienes están llamados a combatirla- Y, finalmente, el milagro de haber logrado un nivel cinematográfico que resalta ante la debilidad de sus recursos técnicos y económicos.Este proyecto plantea un hecho sorprendente: un cine hecho por un grupo que no ha tenido ni formación ni los recursos para hacerlo y, sin embargo, es realizado de tal forma que seduce con la fuerza de código audiovisual empleado intuitiva e intensamente y ante el cual parece ser fundamental el conocimiento (no estoy diciendo la experiencia) del tema.Esta película, presentada ante una reducida y privilegiada audiencia de 18 personas, da una idea clara del potencial temático y artístico que tiene el cine dominicano por realizar.
El concepto:El principio de que el factor más importante de una película es el concepto, ( y curiosamente el más barato) se cumple con matemática trascendencial en el filme al tomar punto de partida en el tema de las drogas en los pueblos pequeños, marginados y alejados de la capital.Con gran inteligencia el director se trazó un desarrollo dramático que parte de la realidad cotidiana del pueblecito de Baní (Provincia Peravia), en el cual ha cundido la droga como verdolaga en ladera virgen.La dinámica de la comercialización de la drogas por medio de los puntos, la competencia entre bandas por el dominio geográfico de los puntos de mayor venta, la geopoítica del narcotráfico en sus diversas jerarquías, desde el vendedor minorista hasta el capo con jepeta incluída, la muchas veces denunciada y demostrada participación de oficiales y alistados de los cuerpos policiales. Cámara y fotografía:Realizada con una cámara digital de regular calidad, la fotografía de esta cinta, particularmente en sus grumos de las tomas nocturnas, no se puede ser evaluada partiendo de la técnica.Lo que si resulta válida es la destreza con que se resuelve el movimiento de cámara que bordea las escenas a manos libres, sin trípode, con un deliberado deseo de involucrar al espectador en la historia narrada.Durante escenas de acción y persecuciones, que demandan una dinámica distinta, el director logra la fórmula de edición que garantiza adecuadamente la continuidad de la acción y el resalto de la intensidad dramática.El Lenguaje de CalleEl dominio del lenguaje de la calle “callejera”, producto de la subcultura del narco es expresada con gracia, naturalidad y un sentido auténtico y fresco, imposible de registrar en el marco blanco y negro del guión.“Dale pa´ bajo”“Voy a limpiarlo”“Búscame la menor”“Menor… bórrese”Y la frase crucial y denunciante:”Déjame pasar por el destacamento a pagar la luz” dice uno de los dos muchachos del punto de drogas.El fruto del dominio y la vivencia en el lenguaje ofrece una muestra verídica de una realidad que quisiéramos no existiese, pero que está ahí, robándose la niñez y la juventud de una parte considerable de la población. El manejo histriónico de ese lenguaje de calle y su acertado y grácil uso en esta película es una de sus prendas. Las caracterizaciones:Otro signo artístico que distingue a "Tu Mundo en la Calle", son las actuaciones que se originan desde actores que no son conocidos como actores. Intérpretes que tienen el dominio de sus personajes y que sientan con fuerza la intensidad con que los interpretan."El Fuerte", "Juan Baba" (el narco cojo y dominante), los muchachos del punto de drogas, todos lucen una entrega actoral

"Race to witch mountain", nueva versión de la cinta juvenil de ciencia-ficción y aventuras de 1975 "La montaña embrujada" le ha dado a Disney un nuevo número uno en las salas norteamericanas el pasado fin de semana. Con unos ingresos de 25 millones de dólares, por encima de lo previsto por el propio estudio, el film protagonizado por Dwayne "The Rock" Johnson se adelantó a la previa líder, "Watchmen-Los vigilantes", que perdió el 67% de su audiencia.Además de "Race to witch mountain" otras dos novedades hallaron acomodo en el "top ten", el "remake" de la cinta de terror filmada por Wes Craven en 1972 "La última casa a la izquierda / Pánico a medianoche", que quedó tercera, y la comedia "Miss march", décima.Por primera vez en seis semanas los ingresos totales descendieron respecto del pasado año, pero los expertos no creen que estemos ante un cambio de tendencia definitivo, ya que en las mismas fechas de 2008 se estrenaba "Horton" que por sí sola acaparó 45 millones de dólares.Aparte de "Watchmen / Los vigilantes", que en 10 días ha totalizado 86 millones de dólares, la veterana que sigue exhibiendo inusitada fortaleza comercial es "Venganza / Búsqueda implacable", el "thriller" francés protagonizado por Liam Neeson, que al cabo de siete semanas no ha perdido el aprecio del público y acumula 127 millones.Siempre fiel a su audiencia familiar, Disney consiguió con "Race to witch mountain" más de 7.800 dólares en casi 3.200 salas norteamericanas y un total de viernes a domingo de 25 millones, cuando esperaban alcanzar los 20. También la cinta de terror "The last house on the left" obtuvo más que sus expectativas previas, con 14,7 millones de 2.400 cines y una media de más de 6.100 dólares.Por contra la comedia pseudo-erótica "Miss march" tuvo que conformarse con unos decepcionantes 1.350 billetes verdes por pantalla durante el fin de semana, o lo que es lo mismo 2,4 millones en 1.742 salas.Estas fueron las diez cintas más vistas en Norteamérica del 13 al 15 de marzo:1- (-) "Race to witch mountain" 25 millones de dólares2- (1) "Watchmen / Los vigilantes" 18,1 millones (86 millones desde su estreno)3- (-) "The last house on the left" 14,7 millones4- (3) "Venganza / Búsqueda implacable" 6,65 millones (127)5- (2) "Madea goes to jail" 5,13 millones (83,2)6- (4) "Slumdog Millionaire / Quisiera ser millonario" 5,03 millones (133)7- (5) "Paul Blart: Mall cop" 3,1 millones (138)8- (6) "Simplemente no te quiere / Qué les pasa a los hombres" 2,9 millones (89)9- (7) "Coraline" 2,65 millones (69,1)10- (-) "Miss march" 2,35 millones

Luego de protagonizar uno de los films más aclamados del cine colombiano reciente, "Satanás", el mexicano Damián Alcázar regresa a Colombia para ponerse a las órdenes del debutante José Luis Rugeles en "García". El film se rueda en localizaciones de Bogotá desde el pasado 25 de febrero, con producción de Rahyuela Films."El desamor es el tema central de 'García'. La película se centra en un matrimonio que perdió la pasión, y que ha resuelto su cotidianidad de pareja refugiándose en el silencio", escribe en sus notas el realizador Rugeles, quien se vale de un personaje gris con una vida ordinaria para analizar su comportamiento en un entorno hostil y dentro de una sociedad que "se desenvuelve tan apáticamente".La historia sigue a García, un hombre que ha ahorrado dinero toda su vida para comprar la casa de sus sueños a su mujer. Pero cuando está a punto de cumplir aquello por lo cual trabajó una vida, su esposa es secuestrada, y a cambio de su libertad se le pide que asesine a una desconocida. García recibe el empujón que necesita cuando Gómez, amigo y ex policía, le convence de llevar adelante tal misión. Inesperadamente, su vida toma un vuelco que impregna de acción una realidad monótona."Es en este giro de la historia y del personaje, donde nace el humor. Las cobardías e inseguridades con las que García y Gómez enfrentan las situaciones policíacas, son las que terminan convirtiéndolos en personajes que nos inspiran una gran simpatía. El humor negro se genera por las situaciones en que estos dos antihéroes se ven envueltos y por su torpeza para afrontarlas", detalla el realizador, quien no busca juzgar las acciones de los personajes, sino exponerlos sin "asumir una posición moral frente a ellos".En ese sentido, Rugeles considera que sigue la línea de películas como "Whisky", de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll; "La visita de la banda", de Eran Kolirin; "Mistery Train", de Jim Jarmusch, o "Lake Tahoe", de Fernando Eimbcke.Además de Alcázar, el elenco del film cuenta con Margarita Rosa de Francisco ("Ilona llega con la lluvia"), Fabio Iván Restrepo y Víctor Hugo Morant

La nueva película de Woody Allen -sin título por ahora- que produce la española MediaPro, a pesar de filmarse en Londres y en inglés, tendrá al menos un intérprete nacional, Antonio Banderas, en su primera colaboración con el genial guionista y director neoyorquino. El malagueño tuvo apenas 24 horas para leer el guión y tomar una decisión al respecto.La propuesta de Allen y MediaPro le llegó el miércoles, y al día siguiente recibía en su casa de Los Angeles el guión. "Yo ya conocía su forma de actuar por mi mujer, Melanie, quien participó en su película "Celebrity". El no te deja más que tus páginas de díálogo, aunque en mi caso ha evolucionado algo. Dos personas esperaron a que yo me leyera el guión entero para llevárselo después y dejarme únicamente las páginas donde aparece mi personaje", contaba este viernes a Radio Nacional de España Banderas.El actor confesaba que la propuesta le pilló de sorpresa, enfrascado en la preparación de su película sobre Boabdil, el último rey musulmán de Granada. "Estoy trabajando el guión junto a Antonio Soler (amigo personal y autor de la novela "El camino de los ingleses", última realización de Antonio). Nos intercambiamos material y en los próximos días yo volveré a Málaga para vernos y cerrar la versión definitiva del libreto. Luego me iré a los países árabes para entregarlo en persona en busca de financiación. También visitaré Marruecos porque creo que nuestros hermanos del sur deben estar en este proyecto", decía el astro afincado en Hollywood.Antes de filmar la nueva película de Allen, al lado de Anthony Hopkins, Naomi Watts, Josh Brolin y Freida Pinto, el próximo julio, Antonio debe incorporar a Salvador Dalí en la "biopic" que prepara Simon West.En un comunicado hecho público este jueves, la productora catalana MediaPro informa que tras "Vicky Cristina Barcelona", llegó a un acuerdo para producir "otras tres nuevas películas con Woody Allen, siendo ésta (la que se filmará en Londres) la primera de ellas".

La ley de cine un sueño que no se hará realidad

Al parecer según mi modo de analizar los acontecimientos en las discusiones sobre la aprobación en la cámara baja de esta tan esperada ley para el desarrollo de la cinematografía dominicana.
A lo mejor es que algunos de estos diputados sin ningún conocimiento de lo importante que es para el desarrollo del cine del país ,o puede ser que vea que como con esto esos diputados no van a conseguir nada , pero esperemos que el señor todo poderoso meta sus manos .
Para así los demás cineastas que tienen sus proyectos engavetados por falta de recursos
Y que el público que asiste a las salas de cine puedan disfrutar de la variedad de expresiones audiovisual del patio
Además se podría con la ley buscarle mercado a esas producciones locales en diferente parte del mundo
También llagarían las coproducciones de otras parte del mundo donde solo lo que exigen es que el país tenga una ley de cine













Mega Divas

El lugar para dar a conocer los detalles de la película "Mega diva" fue el Hotel Clarion, con Roberto Ángel Salcedo a la cabeza del grupo.El guionista y protagonista de la historia presentó al equipo, sostuvo que se trata de una historia para toda la familia, con valores positivos y que ha congregado a un selecto grupo de figuras conocidas con el único interés de que la gente pase hora y media de diversión. El estreno es el jueves 26 de este mes. La première el martes 24 en Malecón Center.

Esta es la tercera cinta que produce Salcedo, luego de "Un Macho de Mujer" y "Mi Novia Esta de Madre", dirigidas respectivamente por Alfonso Rodríguez y Archie Lopez.La protagonista es Jessica Grau, de Venezuela, el director Jean Carlos Beras y tiene como participantes del elenco a Nuryn Sanlley (en un papel dramático, para variar), Fausto Mata, Irving Alberti, Jhoel López, Suleika Vargas, Edgar Hernández, Julián "Oro Duro", Enrique Queli, Bolívar Valera, Rafael Alduey y El Boly, entre otros.Pero…Tenemos que señalar la falta de material de prensa que refiera la ficha técnica y artística, la sinopsis y el currículo de los talentos principales. No estuvo siquiera a mano el clásico fólder de colores con las previsibles dos paginitas con info sobre la cinta.A esto se añade que no tiene página Web, un recurso ya imprescindible y que facilita la promoción de cualquier producción. En materia de los medios digitales se evidencia cierto descuido de las formas de proyección y mercadeo de las películas dominicanas. Tienen tiempo de montarla. O por lo menos sacar un blog si es que no hay presupuestó para diseño y hosting. ¿Cuántas películas dominicanas del 2008 abrieron una página Web con todas las de la ley? Hay descuido que parece que puede seguir ahora con "Mega diva". Una página-Web donde uno por lo menos pueda leer la sinopsis es verdaderamente inaceptable. No hay conciencia de la importancia de la Web para la promoción de una película.La industria está creciendo y debe crecer en todos los sentidos. Las películas norteamericanas tienen su paquete de prensa digital completo: fotos, avances, data en un kit bien presentado. Hay que crecer en este sentido. Si queremos un cine que sea considerado como tal y con respeto, hay normas de la industria que respetar.

La distribuidora Aurum ha anunciado que "Luna nueva", la esperada secuela del éxito internacional juvenil "Crepúsculo", se estrenará en España "a finales de 2009", sin especificar una fecha concreta. Sí se conoce la norteamericana, prevista para el 20 de noviembre, y la británica, una semana más tarde. La primera aventura de esta saga creada por Stephenie Meyer ha sido vista por dos millones de espectadores españoles, recaudando 12 millones y medio de euros.El rodaje de "Luna nueva" comenzará en el mes de Marzo en Vancouver, para después trasladarse a Italia, en concreto a la región de la Toscana. En la novela de Stephenie Meyer, en esa región del norte de Italia se encuentra el cuartel general de los Volturi, la más antigua y poderosa familia vampira del mundo, que tendrá un papel fundamental en el desarrollo del peligroso romance entre la joven Bella y el vampiro Edward.Chris Weitz ("La brújula dorada") sustituye a Catherine Hardwicke en la silla de director, con de nuevo Robert Pattinson y Kristen Stewart como protagonistas de esta historia de amor y aventura entre seres humanos, vampiros y hombres-lobo, los cuales tienen un peso importante en esta segunda entrega.Más de 2 millones de espectadores han disfrutado en España con "Crepúsculo", que ha recaudado en los cines más de 12.500.000 de euros (por delante de exitos como "El caballero oscuro" o "Quantum of Solace"), y eso que las novelas de Meyer no eran tan populares en tierras ibéricas como en Estados Unidos o el mundo anglosajón en general. La película ha alcanzado hasta ahora (aún sigue en cartel en numerosos mercados) la cifra de 350 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, siendo una de las más taquilleras del 2008.

En principio, la película "El desafío: Frost conta Nixon / Frost-Nixon, Entrevista del Escándalo" debería ser aburrida, interminable y sin interés alguno para quienes tienen menos de 40 años de edad, porque reconstruye con paciencia de relojero, imaginación de equilibrista y humor de domador de tigres, el que se considera uno de los episodios más importantes, audaces, agresivos y entretenidos del periodismo televisivo de todos los tiempos. Es que la serie de cuatro entrevistas realizada en Los Angeles a un sombrío, sudoroso, impaciente y destronado Richard Nixon por un joven inglés llamado David Frost, famoso por los programas de entretenimiento que hacía en su tierra con estrellas y cantantes, fue grabada en marzo y abril de 1977, y emitida un mes después, con 45 millones de televidentes, la cifra más alta para un programa de su especie.Esta película, nominada y premiada en las últimas semanas es obligatoria, aún para quienes desconocen los vergonzosos e irrepetibles episodios que durante dos años, a partir del 17 de junio de 1972 horadaron y destruyeron el inmenso poder presidencial de Nixon, un hombre mentiroso, tramposo y desleal que en la película es interpretado con imaginación por Frank Langhella, enfrentado a un jovial Michael Sheen como Frost, repitiendo los personajes que ya habían interpretado en la pieza teatral de Peter Morgan, guionista de esta película dirigida por un maestro, Ron Howard.Hay que apelar a la memoria y la historia real para compartir el significado de esta película tan simple y directa. Ese 17 de junio, el guardia Frank Willis mientras hacía la ronda de madrugada en el edificio Watergate, junto al río Potomac en Washington, descubrió que las cerraduras de la puerta de las oficinas del Comité Nacional del Partido Demócrata habían sido violentadas.Cuando la policía llegó, encontró, asustados y escondidos en esas oficinas a cinco hombres (Virgilio González, Bernard Baker, James W. McCord, Jr., Eugenio Martínez y Frank Sturgis), a quienes acusó ante un juez. El segundo era director de seguridad del Comité de Reelección de Nixon y empleado de la CIA. Los cinco personajes más otros dos (Howard Hunt y Gordon Liddy), que tenían lazos con altos funcionarios de la Casa Blanca fueron condenados varios meses después por asaltar esas oficinas y montar un operativo de espionaje.Gracias a las coincidencias, dos jóvenes reporteros del Washington Post, Carl Bernstein y Bob Woodward, siguieron el juicio, sus conexiones con el presidente Nixon y sus más altos consejeros, y poco a poco en las crónicas que el diario publicaba todos los días, antes que nadie (ayudados por una fuente anónima, "Garganta Profunda" que durante 30 años escondió su verdadera identidad, W. Mark Felt, director adjunto del FBI durante la época del escándalo), fueron destapando la infección que roía la administración de un presidente que comenzó a mentir, a contradecirse, a rechazar las órdenes de los jueces para que entregara pruebas de su apoyo y encubrimiento a la guerra sucia contra los Demócratas, en un proceso de desgaste que duró dos años, hasta cuando amenazado con ser destituido por el Congreso de Estados Unidos, humillado, abandonado por todos sus funcionarios menos por Henry Kissinger, decidió abandonar el cargo.Ese 9 de agosto de 1974, cuando el presidente Nixon leyó en televisión su carta de renuncia, se despidió de todos desde las puertas de la Casa Blanca y subió con la mujer y las dos hijas al helicóptero que lo llevaría al retiro, un joven llamado David Frost estaba realizando un programa de variedades en Australia, se quedó mirando la salida presidencial y le pidió a un asistente que le suministrara las cifras de audiencia de esa transmisión. Cuando la supo, 400 millones de espectadores en el mundo entero, comenzó a organizar lo que se convertiría en dolor de cabeza: las entrevistas a Nixon en California para que hablara de todo, especialmente de Watergate. Tendría que esperar tres años para alcanzar su sueño imposible.La película comienza con tomas de archivo del juicio a los implicados en Watergate, escenas de los juicios, las noticias en las principales cadenas de televisión y el anuncio de la dimisión (con Langhella como Nixon), reproduce y sigue con un ritmo de suspenso que emociona, los "testimonios" de los personajes implicados en la historia, todos los conflictos, los inconvenientes, los rechazos, la desconfianza, las dudas y todo el proceso que dejó solos a Frost y su productor inglés, John Birt (interpretado por Matthew Macfadyen) quienes buscaron inútilmente el respaldo financiero de las grandes cadenas de Estados Unidos, sorprendidas de que un periodista inglés, marcado como frívolo e irreverente, se atreviera a proponer esos encuentros con un ex presidente.Por supuesto, Frost ya tenía la aprobación de su personaje. Nixon, encerrado y callado y alejado de todo bullicio durante tres interminables años, acompañado apenas por su mayordomo filipino, la esposa, las dos hijas y los perros, además de un equipo de asesores y guardaespaldas, bajo el sol californiano, había rechazado cualquier contacto con los medios, y de pronto aparece ese muchacho rubio, delgado, apuesto, que usa zapatos italianos sin cordones y se la pasa en comidas y cócteles con los famosos. Dicen que Nixon pensó que podría manejar las entrevistas, es decir, manipular a su antojo a un periodista que ahora, a los 70 años, sigue emocionado con esa experiencia que le costó 600.000 dólares pagados al personaje y cerca de 2 millones en gastos porque tomó todo un piso de un hotel en Los Angeles (en el vuelo desde Londres, Frost, enamorado y galante como siempre conoció a una hermosa joven, Carolina Cushing (interpretada por Rebecca Hall, sí, la misma de "Vicky Cristina" y "The Prestige" entre otras), a quien sedujo e invitó a acompañarlo durante esos meses de preparativos. También contrató dos estupendos asesores: el politólogo James Reston Jr. (interpretado por Sam Rockwell con pasión y rebeldía), hijo del famoso periodista y autor de un libro sobre esos encuentros, y el periodista y productor de televisión Bob Zelnick (el actor Oliver Platt), además del equipo técnico de camarógrafos, maquilladores, asistentes y otras personas que, sumadas al grupo que acompañó a Nixon (encabezado por un coronel de la Marina, Jack Brennan, interpretado por Kevin Bacon, verdadero perro guardián), convirtieron esas semanas en un verdadero circo.Superados los principales obstáculos, confeccionadas las preguntas, establecido el mecanismo de las entrevistas, afianzados los dos grupos, firmado el contrato y aligerados los ánimos, la primera sesión de 90 minutos se grabó el 23 de marzo de 1977 en una mansión de Monarch Bay, California. Durante las dos semanas siguientes se grabaron los otros tres programas que fueron emitidos en mayo del mismo año: 4, 12, 19 y 25 con una audiencia que en la primera noche alcanzó 45 millones de espectadores.Por supuesto, la película viene directamente de la pieza de teatro escrita por el dramaturgo y guionista inglés Peter Morgan quien en 1992 descubrió el universo de Frost y se sintió fascinado por la confrontación de dos personajes que nada tenían en común: el uno, sofisticado y mundano; el otro, soportando la miseria y la tragedia de haber utilizado el poder para mentir y hacer trampas a su nación.Morgan es famoso por sus guiones de películas que tienen su visión de personajes como la reina Isabel II, Idi Amín y el rey Enrique VII, y con Nixon y Frost descubrió una visión aterradora y sorprendente de la naturaleza humana, con un joven a quien todo el mundo adora, tratando de acorralar con sus preguntas a un hombre desgastado y resentido porque lleva varios años soportando el odio y el desprecio de millones de paisanos. Entonces escribió la pieza teatral.El director, productor, actor y guionista Ron Howard (famoso por películas como "Una mente brillante", "El Código Da Vinci", "Apolo 13", "Cinderella Man" y "Desparecidos" entre otras populares y premiadas), prefirió tomar este material como debía. Contrató al autor como guionista y a los actores que ya habían protagonizado su obra en las tablas, y trabajar como un emocionante artesano con ese cara a cara que sorprende aunque uno ya conozca el desenlace, y tiene presente la descripción que Morgan hace de David Frost: "Nunca tomará un taxi si puede tener una limosina, jamás una limosina si puede disponer de un helicóptero, y rechazará el helicóptero si le ofrecen un avión privado". Por supuesto, la película pasa a la memoria de los espectadores por esos minutos angustiosos, terribles, dolorosos y ansiosos que ocurren casi al final de la cuarta entrevista. Frost insiste para que Nixon reconozca que siempre supo de las canalladas que cometían sus funcionarios. El otro se escuda en explicaciones vanas. Frost lo acorrala y le pregunta si no cree que todo cuanto estaba ocurriendo es ilegal. Entonces Nixon responde casi en un susurro que nada es ilegal si es cometido por el Presidente. Frost no puede creer lo que está oyendo. Se queda mudo. Los dos se miran. El uno entiende que es el mejor momento de la entrevista. El otro siente dolor por haberse dejado acorralar. Entonces, el coronel Breennan irrumpe en el set, detiene la grabación, rescata al ex presidente, lo toma del brazo, se lo lleva a una habitación y deja que respire, descanse y mire el jardín. Entonces, Nixon se voltea, le aprieta la mano y le pregunta: "¿Sentiste compasión por mí?".Superada la situación y la reacción airada de todos, Nixon vuelve a sentarse en su silla, Frost toma un vaso con agua y retoma la pregunta sobre si el otro sabía lo que estaba ocurriendo con Watergate. Entonces Nixon que siempre esperó la ocasión de contar a los norteamericanos lo que sentía sobre ese escándalo, dice que sí, que se siente responsable de todo, el único culpable y que sentía vergüenza y dolor de haber defraudado al pueblo, haber defraudado a la Presidencia, haber defraudado al sistema democrático de su nación y se queda callado. Era lo que los norteamericanos siempre esperaron después de tres años, que su Presidente les pidiera perdón. Entonces la cámara se cierra sobre el rostro moreno, sudoroso, tembloroso y devastado de Richard Nixon, el hombre que tuteaba a Brezhnev y Mao, lo contempla en silencio y uno siente que pocas veces el cine ha logrado una imagen tan perfecta de la soledad, la destrucción, el vacío, la tristeza, la derrota y la miseria. Nada más

Oscar 2009: El chileno Claudio Miranda marcha como serio candidato
En estos últimos días el nombre de este director de fotografía viene siendo mencionado por todos tras obtener una de las trece nominaciones a los premios de la academia que ostenta El curioso caso de Benjamin Button. En verdad, gracias a la película de David Fincher, el fotógrafo chileno ya estuvo cosechando diversos reconocimientos entre ellos la nominación a los BAFTA. Y sin duda uno de los mayores atractivos de la película es la laboriosa foto que nos traslada de las calurosas noches y la festividad diurna de Nueva Orleans.
Claudio Miranda llegó a los Estados Unidos con apenas un año de edad y comenzó su carrera a fines de los años ‘80 en labores técnicas de electricidad e iluminación. Durante todos los años `90 estuvo afianzando un lugar en esta actividad llegando a participar de varias importantes producciones, entre ellas las primeras películas de David Fincher: Se7en, The Game y Fight Club. Ya en esta década Miranda pudo inciar actividades serias como director de fotografía en diversos proyectos menores (cortometrajes y comerciales), background suficiente para que sus cualidades llamarán la atención de la industria. Su primera experiencia como director de fotógrafía en un largometraje fue con Failure to Launch, la comedia que protagonizaron Matthew McConaughey y Sarah Jessica Parker en 2006.
Ahora nuevamente trabajando con Fincher y Brad Pitt, Miranda parece consolidarse en el medio hollywoodense como muy pocos especialistas de orígen latinoamericano en el medio. Ese es el caso de los mexicanos Emmanuel Lubezki y Rodrigo Prieto, por ejemplo. En todo caso con el gran favoritismo hacia la película sobre Benjamin Button, Miranda corre con grandes posibilidades de ganar la estatuilla dorada, a pesar de que tiene como competenicia a recorridos talentos como Chris Menges y Roger Deakins.

Aunque la versión cinematográfica de la historia picaresca y divertida de ese personaje llamado Benjamin Button, escrita por Francis Scott Fitzgerald (Septiembre 24 de 1896 – 21 de diciembre de 1940), esté muy alejada de su original, uno tiene que recordar al novelista que tuvo dos antepasados notables: el uno, creó el himno nacional de Estados Unidos y la otra, fue ahorcada por haber participado en el asesinato del presidente Abraham Lincoln. Además su esposa Zelda, una mujer hermosa y pendenciera y celosa, murió encerrada, esquizofrénica, perdida para el mundo. "El curioso caso de Benjamin Button", que acaba de lograr 13 nominaciones al Oscar, entre ellas las de mejor película, director, actor protagonista y guión adaptado, solo podía ser realizada por alguien como David Fincher, el mismo de "Seven", "El club de la pelea", "La habitación del pánico", "Alien 3" y, por supuesto, "Zodíaco", es decir, alguien que como el novelista, se siente fascinado con los excesos y los personajes que apelan a los extremos para sentirse vivos. Como este hombre que vive al revés, o sea, mientras los demás envejecen y se deterioran, él renace, avanza hacia la plenitud y poco a poco entra en la juventud, la adolescencia y la niñez. Absolutamente, sin que pueda hacer nada.Según el cuento, en 1860 se estilaba que los bebés nacieran en sus casas, pero la joven pareja compuesta por el señor y la señora Button decide que su primer hijo debe ser recibido en la sala de un hospital. Pertenecientes a la clase social más encumbrada de Baltimore, lo único que esperan es que el primogénito, como el padre, estudie en Yale College, en Connecticut. Cuando esa mañana el marido llega al hospital donde ya la esposa estaba ingresada, se topa con el médico, desconcertado y descontrolado, evitando cualquier comentario sobre el recién nacido, él, que lleva 40 años recibiendo los bebés de esa familia, incluido al padre primerizo. Roger Button ingresa al edificio, recorre las salas, se topa con una enfermera asustada que deja rodar una bacinilla por las escaleras, pregunta por la esposa y el bebé, le señalan una sala donde numerosos bebés lloran de hambre.Se queda mirando esas cabecitas peladas, pregunta cuál es el suyo, le señalan una de las cunas y, sorprendido y horrorizado, tembloroso e incapaz de hablar descubre un hombre de unos 70 años, con el pelo blanco y una barba larga, mecida por el viento que entra por una de las ventanas. Además, envuelto en una sábana.El anciano recién nacido rompe el hielo y le pregunta al empresario si es su padre. Antes que responda le dice que si lo es, entonces que lo ayude a conseguir una mecedora, más cómoda que esa cuna de la que cuelgan las piernas porque no cabe. El padre lo acusa de ser un impostor, la enfermera lo defiende y el anciano se queja de dos incomodidades: mucho ruido y mucho llanto en esa sala, y no ha podido aplacar el hambre porque solo le han traído un tetero con leche caliente.El humor negro de la historia alcanza su clímax cuando el padre, desubicado, no se preocupa por la situación absurda que vive sino, por los comentarios de sus amigos y conocidos cuando conozcan ese bebé de 70 años. Y lo que es peor, cuando vaya por la calle, con el niño de la mano, ¿qué le dirá a la gente, cómo lo presentará? Mira a la enfermera, consternado y le pregunta qué puede hacer, y la mujer le responde de una manera práctica: primero que todo, comprarle ropa, y el hijo añade: un bastón, quiero tener un bastón. Más adelante, mientras salen del hospital con ropa y menos barba, el hijo le pregunta cómo lo llamará, ¿bebé? El padre le responde con humor amargo: Matusalén. Por supuesto, varias semanas después de haber llegado a su casa, Benjamin descubre la persona ideal para hablar y entenderse: el abuelo. Es que se aburría con los niños que lo buscaban para jugar.A los 12 años ante un espejo, Benjamin descubre que las arrugas están desapareciendo y el pelo, oscureciendo. A los 18 es como si tuviera 50 y el padre lo envía al Yale College pero al intentar registrarse no le creen la edad y lo expulsan. Después regresa, con otra apariencia y se convierte en uno de los mejores estudiantes. A los 20 parece de la misma edad del padre y comparten muchos intereses. Descubre la pasión por una mujer, Hildegarde, hija de un general con quien se casa a pesar del escándalo que suscita ese hombre a quien algunos señalan como el papá de su padre. Por supuesto se siente más joven, se convierte en el primero que conduce un automóvil en Baltimore, descubre que la esposa de 35 años ya no lo atrae, después de haberla adorado tanto. Tienen un hijo de 14. El aburrimiento doméstico es tan grande que Benjamin se marcha a la guerra de EEUU contra España por Cuba en 1898. Aparentemente, tiene 38 años. Regresa tres años después. La esposa tiene 40. El parece diez años menos. El hijo crece, la esposa lo abandona y Benjamin avanza hacia la adolescencia y la niñez, sin parar, tanto que el hijo, casado, le pide que delante de los demás lo llame "Tío".A los 57 parece tener menos de 12, intenta alistarse para pelear en la I Guerra Mundial pero no lo aceptan pero, el ejército apela a sus oficiales reservistas de la contienda contra España, lo convocan con el grado de brigadier-general y el niño ordena un uniforme apropiado. Por supuesto, todos se burlan del pequeño que quiere combatir a los alemanes y el hijo tiene que rescatarlo del cuartel.La situación se torna ridícula cuando en 1920 nace el nieto de Benjamin y éste con 10 años de edad, se la pasa jugando en la casa con su colección de animales y autos en miniatura. Es que entre el abuelo y el nieto apenas hay una distancia, y el hijo no puede soportarlo. Por supuesto, cuando el nieto cumple cinco años, tiene la misma edad del anciano, ingresan al mismo jardín, aprenden a cortar papeles. Mientras el uno era promovido a otros grados, el abuelo seguía en Kinder, cada vez más asustado porque nadie quería jugar con quien cada vez actuaba más como un bebé. Hasta cuando ya no tiene recuerdos y no escucha los sonidos y no articula palabras y prefiere quedarse tranquilo mientras la oscuridad desplaza el aroma de la leche tibia.Ese es el cuento escrito por Scott Fitzgerald, lleno de humor negro sobre la condición humana y los sentimientos, una provocación al lector que lo conoce mejor por "Al Este del Paraíso", "Hermosos y Malditos", "Suave como la noche", "El gran Gatsby" y "El último magnate". La película es diferente, muy diferente, se basa en el guión de Eric Roth (el mismo de "Forrest Gump" con la que, equívocamente, algunos comparan a "Benjamin"), y tiene formidables actores, Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Julia Ormond y otros. La fotografía, exquisita, es del chileno Claudio Miranda (también nominado) y la música, oportuna, de Alexandre Desplat. La estructura de la película descansa sobre el Diario escrito por Button a lo largo de su peregrinaje insólito en la tierra, leído por una joven (Ormond) a la madre anciana (Blanchett), arrugada y vencida en la cama de un hospital en Nueva Orleans mientras el Katrina se acerca salvajemente. Esa mujer, Daisy. fue el gran amor de Benjamin. Cuando se conocieron ella era una niña y él, un anciano. Se enamoran, se distancian y se reencuentran cuando están emparejados en su edad. De ahí en adelante, copulan todas las tardes, ambos sienten que el otro va cambiando hasta cuando la relación se convierte en la complicidad tierna de una anciana y un niño. Ahora la hija lee el Diario que rearma la insólita vida del protagonista y la anciana comenta algunos pasajes.Lo asombroso de la película no está en la historia (el privilegio y la originalidad pertenecen al cuento), sino en los elaborados, tediosos, interminables y perfectos efectos especiales que colocan los distintos rostros y expresiones de Brad Pitt sobre los numerosos cuerpos de otros actores que lo interpretan en sus diferentes edades. La sabiduría de esos magos y técnicos convierte la película en una pieza extraña, aunque al finalizar, el espectador sienta las incongruencias que saltan a la vista, como que el personaje nazca bebé y no anciano, y así sucesivamente. Es un caso curioso, aún para el espectador menos entusiasta.

Si alguien busca algunas palabras que definan o calcen en las vidas de los dos protagonistas de la nueva película del brillante director Sam Mendes, "Revolutionary Road / Solo un sueño", una de las grandes perdedoras en la actual edición de los Oscars, podrían ser estas tres: resignación, resentimiento e insatisfacción, a mediados de los años cincuenta. Y una cuarta, desamor. Y una quinta, frustración.Es que Frank y April Wheeler, interpretados con frialdad y distancia por dos que ya habían estado juntos en el naufragio del Titanic, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, están resignados a la vida que llevan y de vez en cuando intentan rebelarse; resienten de la suerte que los amarra a ese elegante barrio residencial, rodeados de hombres y mujeres vacíos que todos los días, a las mismas horas, tienen los mismos gestos y musitan las mismas palabras y, por supuesto, insatisfechos de la monotonía que los presiona en esa casa inmensa con este jardín muy cuidado y esos dos hijos tan perfectos. Además, no se aman, nunca se han amado, han perdido el deseo por el otro y eso les produce una amarga frustración que con el tiempo, amenaza con hundirlos. Por supuesto, esta no es una película alegre, ni optimista, ni cálida, ni sensual. Al contrario.Frank y April, concebidos con alevosía y humor negro devastador por el escritor Richard Yates en su novela del mismo título, publicada en 1961 en medio del estupor general porque -en esa época- resultaba escandaloso que alguien desmontara las piezas de ese mal que carcome la supuesta felicidad de la clase media de Estados Unidos, la que vive en las afueras, tiene sus propias reglas sociales y sabe que se pasará toda la vida pagando una hipoteca onerosa que les permita enviar los hijos a la universidad, las mascotas al veterinario, el marido al campo de golf y la mujer a los cursos de cocina y floristería, es decir, la clase media que se cree viviendo en el Paraíso.No es simple curiosidad que una película anterior de Sam Mendes, "American Beauty" también muestre la agonía de varias familias atrapadas en un suburbio, y cómo el marido enloquecido con el aroma de una chiquilla rubia, amiga de su hija, y presionado por un vecino obsesionado con las armas, y cegado por la infidelidad de la esposa, y asustado por la presencia cercana de un muchacho que vende drogas, ese marido, no tenga otro recurso que imaginarse al objeto de sus deseos sexuales sumergida en una bañera llena de rosas rojas, y contar su triste destino…después de muerto a tiros.El problema con Frank y April no es que vivan en un suburbio de Connecticut, es que se sientan superiores a los vecinos, más inteligentes que ellos, más ambiciosos, más brillantes, más preparados y por supuesto, destinados a una vida mejor. Claro, nunca descubren su equivocación. Y, si la descubrieran, no la aceptarían. Para muchos directores y guionistas de Hollywood, las urbanizaciones son sinónimo del infierno (hace poco veíamos una pésima película sobre esas zonas, "Vecinos en la mira"), pero en este caso el infierno se encuentra dentro de la pareja que protagoniza la historia.1955: Frank trabaja en la misma compañía donde estuvo su padre durante muchos años, Knox Business Machines. Todas las mañanas o casi todas, conduce su auto hasta la estación del tren, parquea y hace el recorrido con miles de hombres que llevan traje y corbata y camisa blanca hasta Grand Central Station en Manhattan, donde camina por esas aceras repletas de miles de empleados como él, idénticos, con los sombreros que el viento intenta llevarse, en una escena que recuerda, quizás a propósito, esta otra de "Camino a la perdición" con centenares de hombres con sus paraguas bajo la lluvia.La vida de April es igual de monótona. La novela y la película comienzan cuando ella, aspirante a actriz, fracasa con su papel en "El bosque petrificado", lo cual se convierte en una auténtica tragedia. Ellos, que se consideran cultos, intelectuales, diferentes, superiores a los vecinos; que al momento de casarse hicieron la promesa de no perder jamás los sueños, las aspiraciones y la ambición que, supuestamente, los diferenciarían y apartarían de los demás, descubren que la vida o la realidad les abren los ojos: ella es pésima actriz y él, un trabajador sin ambiciones, engullidos por un sistema que no los estima, ni respeta, ni admira, simplemente los contempla como otra pareja atrincherada en el conformismo malsano de la atmósfera tranquila y cómoda de un suburbio.Sofocados por esa existencia perfecta e inútil, sin emociones, fría, mecánica; ahogados por la certidumbre de que están atrapados en una ratonera sin salida, ella propone una solución casi suicida: marcharse los cuatro a París donde pueda trabajar como secretaria, atender los dos hijos, manejar la casa y permitir que el marido encuentre su verdadero destino, identifique sus auténticos propósitos, encauce sus cansadas energías que, a los 30 años de edad, lo han convertido en un muerto que camina.Entonces, en ese escenario (los colores, los ángulos de las cámaras, los movimientos de los personajes, las entradas y salidas de los protagonistas, los muebles, las cortinas, los restaurantes y aún las autopistas, las carrileras y el tren, todo está construido y concebido alrededor de una representación: ellos interpretan los papeles que la vida les impone y, supuestamente, no pueden apartarse del libreto), en esa Revolutionary Road (el nombre viene de la calle donde viven), la vida aburrida del marido y la mujer se ve alterada profundamente (igual que los amigos cuando se enteran de esa decisión discutible de marcharse a París y tirarlo todo), con los preparativos, los sueños, los pasos en falso, las infidelidades y las angustias que ya no tienen freno. Es que París en 1955 es el paraíso de los intelectuales, la tierra de la libertad, el escenario para el sexo, el amor y otras libertades inconcebibles en el ambiente cerrado del suburbio.Ahí, cuando el espectador ya se acostumbró a la interpretación deficiente de DiCaprio y a la fría sensualidad de Winslet (alguien dijo que nunca antes una actriz había expresado con su rostro todas las fases de la angustia y la desesperación, como ella y que si lo dudan, basta ver la película sin sonido y comprobarlo), y a la puesta en escena tan correcta de Mendes, sin una mancha, sin un error, sin una rotura, cuando el viaje a París es la obsesión de todos, aparece un personaje que acaba con toda esa perfección y abre, dolorosamente, los ojos de ese hombre y esa mujer que no saben que están equivocados, aunque de los dos, ella siempre entendió qué buscaba, qué tenía, qué le faltaba, qué necesitaba y, por supuesto, de qué era capaz e incapaz ese marido bonito. Pero siempre prefirió posponer cualquier decisión sobre su monótona vida.Entonces, entra en escena ese personaje perturbador, paciente de numerosos choques eléctricos, hijo de una corredora de bienes raíces (Kathy Bates) que llega a la hermosa casa, se sienta, los contempla y abre la boca. Que el espectador descubra, bajo su propio riesgo y sufrimiento, lo que ocurre cuando John Givings (interpretado con inteligencia por Michael Shannon, candidato al Oscar por este papel), les habla, les explica, les revela, les cuenta, les previene, les amenaza y los insulta. La película logra un giro de 180 grados y por eso, pasa lo que pasa, dolorosamente. Cuando se encienden las luces nos sentimos aplastados por tanta perfección, también por tanta tristeza, tanta derrota, tanta soledad, tanto desamor, tanto vacío, a pesar de las dos escenas de sexo."Revolutionary Road / Sólo un sueño" se estrena este viernes en España y la semana próxima en México, Argentina y Chile. Este jueves recibió tres nominaciones al Oscar: mejor actor de reparto, dirección artística y vestuario.

Tras su actual éxito "Rudo y Cursi", Carlos Cuarón volverá a ejercer como guionista con su hermano Alfonso, para quien ya escribió "Solo con tu pareja" e "Y tu mamá también", en lo que define como "un drama familiar con mucho sentido del humor", y cuya acción se desarrollará en Londres.El proyecto, aún sin título oficial, será la siguiente realización de Alfonso Cuarón, tras "A boy and his shoe", que el propio cineasta ha escrito junto a su hijo Jonás y se filmará este año también en Europa."Estoy escribiendo un guión con Alfonso, que comencé en agosto y tuve que pararlo por toda la campaña de promoción (de "Rudo y Cursi"). Es una historia situada en Londres que apunta más al drama, aunque yo no creo en el purismo de los géneros y lo puedes comprobar con lo que hago", ha explicado Carlos Cuarón al diario Excelsior."Es un drama familiar -añade el menor de los Cuarón-, tirándole al melodrama y con muchísimo sentido del humor. Lo que yo llamo la risa del dolor o el dolor de la risa".No obstante, tendrá que seguir promocionando su primer largo como realizador, "Rudo y Cursi", protagonizado por Gael García Bernal y Diego Luna, que el mes próximo se estrenará en Chile, en marzo en Brasil y España, y a mediados de año en Estados Unidos.A su hermano Alfonso se le ha relacionado con otros proyectos futuros, entre ellos "México, 68", con guión del veterano Vicente Leñero y "The Memory of Running", en Estados Unidos.

El cineasta argentino Diego Musiak abre la lista de estrenos nacionales en 2009 con "Cartas a Jenny", cinta rodada en Argentina, Israel y España filmada hace casi dos años y que tenía estreno previsto para el pasado octubre. Pero, además, el autor de "Historias Clandestinas en La Habana" y "Te besaré mañana" prepara "¡Hostias!", una coproducción italo-hispano-argentina con dos bellas y curvilíneas mujeres, la italiana María Grazia Cucinotta y la argentina Luciana "Luli" Salazar, junto al actor español Fernando Guillén Cuervo."Cartas para Jenny" llega a las salas argentinas después de varios anuncios frustrados el próximo jueves 8. Participante en los festivales de San Luis, Huelva y varias muestras de cine judío, no se estrena precisamente en un momento de especial simpatía hacia la causa israelí después de los bombardeos de su ejercito sobre Gaza que han causado más de 400 muertos, muchos de ellos civiles. Uno de los personajes del film es precisamente un soldado israelí.Se trata del primer largometraje argentino filmado en Tierra Santa. La Vía Dolorosa y el Muro de las Lamentaciones, el Mar Muerto, el antiguo puerto de Jaffa y diversos rincones de Jerusalem, fueron el marco de esta historia que se rodó durante seis semanas en San Luis (Argentina), dos en Israel y una en Barcelona (España). La película narra la historia de Jenny (Gimena Accardi), una adolescente que inesperadamente se encuentra ante un embarazo no deseado. Con Kevin, su novio, deciden casarse y tener el hijo, pero él la abandona pocos días antes de casarse. Jenny, embarazada, sola y desesperada, no sabe qué hacer de su vida, cuando se encuentra con tres cartas que su madre le escribiera en vida con la promesa de de leerlas ante situaciones críticas en su vida. En esas líneas la joven descubre a su madre y acepta sus consejos.Al leer la última carta, Jenny decide viajar a Israel para comenzar una nueva etapa. Durante el viaje Jenny estará guiada por un rabino, y por Eitan (Fabio di Tomaso), su amigo soldado. Junto a ellos recorrerá lo mejor de la fe y lo peor del camino de la guerra reencontrándose con su historia. En este viaje por la ciudad Santa, para las tres grandes religiones del planeta, Jenny dimensionara su dolor y vislumbrará nuevas alternativas y horizontes.Musiak contará con uno de los actores de "Cartas...", Martín Seefeld, junto a la italiana María Grazia Cucinotta, quien ejercerá además de coproductora, Fernando Guillén Cuervo y Luciana Salazar para rodar a partir de marzo o abril "¡Hostias!", definida como una comedia negra sobre el mundo del cine. El recientemente fallecido Ulises Dumont también tenía previsto participar en esta coproducción.

Diez películas de facturación criolla llegaron a la gran pantalla en 2008, para establecer un record, superando el número de exhibiciones del cine local en toda su historia de la naciente industria. Pero cuidado… cantidad no siempre es sinónimo de calidad.

El año fílmico 2008 presentó un panorama variopinto, polémico, interesante y alucinante que incluyó factores como:

Iniciativas creativas de jóvenes talentos,
Películas de la industria con todos los recursos que demanda este quehacer, aun cuando algunas evidenciaron debilidades sobre todo en guión,
Cintas que debieron haber sido más cortas o mejor escritas
Producciones que no se sabía exactamente qué eran
Actuaciones que van desde lo acertado y creativo hasta lo ridículo, anacrónico y fuera de lugar. Y dos interpretaciones secundarias que se robaron el show a sus protagonistas.
Trabajos realizados en provincia y que llegaron a ser vistos comercialmente en Santiago y Santo Domingo, sólo a nivel de muestra del quehacer en la activa Cinemateca Dominicana.
Cintas comerciales que revelaron un decidido compromiso social, pero afectadas por las peores formas de piratería.
Algunas decepciones.
Una novedad: una película de temporada
A lo cual que apuntar otros acontecimientos fílmicos o audiovisuales:

Los Cortos de ficción de las promociones de maestrías y cursos de comunicación en las universidades UASD, PUCMM y Católica de Santo Domingo. De ahí salieron trabajos como "Curarse en Salud" (de la 1era promoción del diplomado de CEXCOM), sin nada que envidiar a cortos internacionales.
Un festival de cortos "on line" que auspició esta página y que develó talentos prometedores, en cinco trabajos que ratifican la calidad del talento joven.
Un sorprendente documental de Martha Checo, “Las Sufragistas”, una investigación bien realizada a partir de la iniciativa de Ilonka Nacidit Perdomo y acogido por Jatna Tavarez, con voz en off de la doctora Brugal, abogada, pensadora y productora radial.
La mejor de las versiones de la Muestra Internacional de Cine de Santo Domingo, gracias al trabajo del crítico y animador (o desanimador?) del cine local llamado Arturo Rodríguez, un tipo que no deja indiferente a nadie.
El lanzamiento de la página CinemaDominicano.com (de Féliz Ml. Lora) y la reestructuración del portal CineDominicano.net (que debe seguir mejorando su diseño, despliegue de fotos y colorido).
Seis cortos que no eran cortos, en el Festival Funglode, pero que no desmerita el esfuerzo que se hace desde ese proyecto por impulsar el cine. El Festival de Cine Funglode fue un acontecimiento, en especial por “Sugar”, una cinta de ambiente local sorprendente y bien lograda, además de una muestra de lo mejor del cine independiente mundial.
Una buena representación del cortometraje de ficción realizado en la diáspora dominicana y en especial “Pinchos y Rolos” de Freddy Vargas.
Tal parece que el período de gracia de la gente dio al cine dominicano en razón de ser cine nacional, ha terminado y la gente está calculando muy bien si invierte su dinero en una producción "hecha en República Dominicana" basada únicamente en el populismo nacionalista. Pocas películas pudieron rebasar con éxito la frontera de lo invertido con lo producido. El 2009 se levanta con la ilusión de lograr el afianzamiento tanto comercial como estético del cine que hacen los dominicanos, nominación que nos parece más adecuada que "cine dominicano". El balance del quehacer fílmico del año que termina se resume así:

"EL CABALLERO DE LA MEDIANOCHE" . Drama. Director: Jimmy Sierra. Elenco: Walis Uribe, Hansel Santana, Miguel Ángel Martínez, José Mateo, Marcos Pérez, Roberto Payano, Magdalena Severino, Tony Gómez y Danilo Solís. Fue la primera en proyectarse. Se estrenó el 31 enero. Un desastre económico y un costal temático para discutir por horas sobre la viabilidad de la trayectoria de cine de Sierra. Su director, no logró conectar con el público y regresó a un singular estilo, ignorando la oleada de críticas que le generó Lilís. El profesor Sierra tiene un sistema de trabajo como director que no entona con el gusto del público. Tiene que revisarse. Y elevar su calidad como director de cine a la que tiene como documentalista histórico, área en la que de destaca principalmente con Viaje a Centro de la Historia y un serial de siete documentales sobre el Arte y la Cultura en RD, próximo a estrenarse y que ya hemos visto con mucha alegría por su terminación, contenido y puesta en escena.

La segunda oferta fue "EXCEXOS". Drama. Director: José María Cabral. Elenco: César León López, Zeny Leyva, Laura García Godoy, Henry Hidalgo, Johnnie Mercedes y Luís Nova. Se estrenó 7 febrero. a cargo de José María Cabral, de 21 años apoyado en un equipo de amigos, manejando el drama de la juventud hundida en hábitos tóxicos y practicas antisociales. Una denuncia valiente de la misma clase social a la que pertenece el director y que se estrenó en Palacio del Cine Bella Vista Mall. El trabajo aceptable y con algunos puntos brillantes y originales, debió merecer más respaldo del público, para reforzar el equívoco criterio sobre el cual se apoya la producción industrial de que sólo la comedia atrae al público. La cinta contó con apoyo de Producciones Coral en cuanto a su promoción y en particular de José Enrique Pintor, que ve en Cabral un talento por desarrollar. Cabral evidenció concepto del cine e hizo muy bien con detener su naciente carrera de director e irse a estudiar cine en Estados Unidos. Comercialmente fue un fracaso.
El tercer lugar en orden de aparición tenemos a "PLAY BALL". Comedia. Director: Alfonso Rodríguez. Elenco: Luís José López, Hemky Madera, Enrique Qualey, René Castillo, Karina Larrauri, Luís Manuel Aguiló, Marlene Favela, Marcos Bonnetti y Alfonso Rodríguez y que se estrenó el 14 febrero. Se destaca la buena fotografía y cierta coherencia argumental, pero representó un retroceso respecto de Juniol II. La cuarta cinta en estrenarse, luego de un período de producción más largo de lo que se planeó especialmente por la carencia de los recursos de la gran industria, fue ENIGMA. Drama de terror. Director: Robert Cornelio. Elenco: Yorlla Lina Castillo, Mario Arturo Hernández, Fifi Almonte, Pericles Mejía, Miguel Ángel Martínez, Víctor Pujols, Wilfredo Read, Joe Delgado y que vio luz pública el 24 abril. Una cinta independiente y bastante bien realizada con experimentos en efectos especiales que debieron haber tenido mejor acogida. Un conjunto de actuaciones tanto de veteranos como de jóvenes actores y actrices que valía cualquier esfuerzo el ir a verla. Una pena verdadera que no tuvo el respaldo en taquilla a pesar de la prolongada promoción alternativa que se le hizo y los elementos que exhibía, a lo cual se suma la calidad del video, el mejor de cualquier película este año.

Luego siguió "60 MILLAS AL ESTE (60 MILES EAST)". Se puede decir que fue un "documental-dramático, docudrama o quien sabe. Ni su directorJorge Lenderborg, estuvo satisfecho con el resultado y nos acusó de haber sido complacientes con su producción. Se estrenó el 29 mayo. Experimentó una nueva forma de mercadeo al lanzar el DVD conjuntamente con película en los cines. El propio Lenderborg es director y conductor de un trabajo que hubiese quedado mejor como reality de TV, tipo Nuria.
Entra en escena uno de los mejores experimentos de cine independiente "¡DE CAMPAMENTO!" Comedia. Director: José García. Elenco: Ramsés Cairo, Omar Payano, Nancy Amancio y Emily Shantal que se estrenó el 11 julio en el marco del Festival Internacional de Cine Dominicano del Despacho de la Primera Dama. Una aventura fílmica del director cristiano joven más destacado en la República Dominicana. Realizada con los recursos magros que permite lo independiente, es uno de los mejores trabajos del año, con precedencias interesantes (a pesar de que hay quienes rechazan de plano el estar clasificando tanto "la primera película tal cosa…", como ser la primera comedia juvenil de aventuras. Ramsés Cairo, Omar Payano y Nancy Amancio se lucen en sus actuaciones. Con este trabajo obtuvo el premio del público (niños y niñas) que asistieron al Festival del Despacho de la Primera Dama. Posteriormente se exhibió en un recorrido por templos evangélicos para finalmente llegar a las pantallas comerciales, donde la vimos en presencia de poco público. Extraño que los pastores de la Zona Oriental no pidieran a sus feligreses que acudieran a verla. Parece que no hubo buena coordinación.

Una cinta que vio poca gente y que representó un experimento interesante aun cuando criticable en el guión fue “LAS CENIZAS DEL MAL”. Terror. Director: Javier Vargas. Elenco: Luisito Vargas, Sara Portes, Joshúa Lucero, Mery Collado, Diógenes Rubí y que se estreno: 31 julio. Su principal ámbito fue Santiago y se pudo ver en la Cinemateca Dominicana, sala que fue una referencia importante para el cine local este año.

Se llega entonces a la tesis social que representó “LADRONES A DOMICILIO”. Comedia de trasfondo social y político. Director: Ángel Muñiz. Elenco: Manolo Ozuna, Miguel Ángel Martínez, Johanny Sosa, Rafael Alduey, Arturo López, Frank Lendor, Miguel Bucarelly, Pachy Méndez, Salvador Pérez Martínez, Jean Johnny, Félix Peña, Juan Maria Almonte, Pericles Mejía, Sonia Silvestre que se estrenó el 14 agosto. A nuestro modo de ver lo más interesante del año por su avance temático y la excelente actuación de Ozuna y Miguel Ángel Martínez, además del corto papel que hace Sonia Silvestre en el cual se come el plano histriónico de la cinta. Lamentablemente fue afectada por la piratería como ninguna otra película, al punto de que la colgaron completa en Internet y se pudo ver en You Tube y lamentablemente en algunos portales dominicanos de música juvenil. Ladrones a Domicilio dejó pérdidas y no debió haber sido. Hay que estimular a Muñiz a que retome el sentido y vuelva por sus fueros. El es parte de la historia y el presente del cine local.

Le siguió al curso de cine de este año la ampulosa, cuestionada, y comercialmente existosa (hasta cierto punto) “AL FIN Y AL CABO”. Comedia. Director: Alfonso Rodríguez. Elenco: Raymond Pozo, Miguel Céspedes, Juan Carlos García, Frank Perozo, Ivonne Montero, Gabriel Porras, Beba Rojas, Evelina García, Celinés Toribio y que se estrenó el 2 octubre. Dotada de todos los recursos necesarios, la cinta presentó debilidades en el guión, incurrió en escenas excesivas y costosas desde el punto de vista de la producción y produjo un resultado ambivalente: el público respondió en gran medida (fue una de las que mas vendió taquilla) pero se transformó material de hoguera para los críticos, algunos de los cuales se negaron a verla o permanecieron por 10 minutos en la sala. Esta cinta no dejó indiferente a nadie. A nuestro modo de ver el problema fue el guión, los innecesarios efectos especiales, la introducción forzada del factor vampiros y la actuación que no debió haber tenido lugar, la del propio director que no acertó como el vampiro mayor, sobre todo el la pelea que pudo haber sido mejor coreografiada. Una lección que debe asimilar nuestro amigo Alfonso. El resultado fue un presupuesto muy elevado y poco efectivo a los fines del lenguaje del cine. El director debe repensar esta experiencia para canalizar con mayor acierto los recursos de que dispone. Debe seguir haciendo cine y ser receptivo a las críticas.

Y terminamos el año con la todavía en exhibición “SANTI CLÓ, LA VAINA DE LA NAVIDAD” Comedia de Temporada. Director: José Enrique Pintor. Elenco: Aquiles Correa, Jane Santos, Manolo Ozuna, María José Pintor, Milagros Holguín y que se estrenó el 13 noviembre con una buena realización y un papel secundario, el de Manolo Ozuna que opera como el del Guasón de Batman; se traga la actuación principal, a cargo de Aquiles Correa. Se destaca una novísima del cine, Jane Santos y María José Pintor, como la enfermiza hija de crianza de este Santi Cló caribeño y de piel oscura. Es uno de los mejores trabajos del año, dicho sea sin atención a nuestros compromisos en su promoción. Se dice que lleva ya 130 mil taquillas vendidas y le resta lo que queda de diciembre y las dos primeras semanas de enero.

PRIMERAS PRODUCCIONES DOMINICANAS PARA EL 2009


Se extrena a mediado del mes de Enero del año que recien inicia la película CRISTIANO DE LA SECRETA dirigida `por Archie López quien dirigió el año pasado su primer largometraje llamado Mi Novia esta de Madre, protagonizada por Roberto Ángel Salcedo entre otros actores.
Ahora dirige este filme una comedia de toque cristiano creada por José García, quien había hecho varios intentos de llevar esta historia a la pantalla grande el como director pero no le fue posible.De la mano de archie López y protagonizada `por Reymon Pozo y la bella Nashla Bogaert José Luís german encarnan los papeles principales de esta cinta.
Aquí les traemos los afiches para las primeras películas dominicanas a estrenarse en el próximo año. “Cristiano de la Secreta” será la primera producción de factura criolla en entrar en la prueba de fuego en el año 2009
, luego le seguirán “Mega divas” ambas muy de cerca.
Vemos nuestro cine cada año que pasa nuevas propuesta cinematográficas esperemos que las autoridades quienes quieren que el naciente cine dominicano siga creciendo deben de darle mas apoyo a las producciones cinematográficas no dejárselo todo al sector privado , la cual ha financiado la mayor parte de las propuestas cinematográficas del país hasta el momento.


Los cineastas que no tenemos el apoyo del sector privado esperamos la aprobación de la ley de cine que cursa en el senado de la republica para asi poder obtener los recursos tanto del estado dominicano como las coproducciones de otros paises que tienen convenio en todo el mundo pero creemos también que si nuestro presidente es el mas interesado en que nuestro cine siga creciendo con diferente propuestas de productores y directores de cine hasta ahora no conocido porque no crea la ley de cine por decreto .

El año que finaliza ha sido pródigo para el séptimo arte en Cuba, tanto el que recibimos como el que hacemos. En cuanto al primero, creo, con orgullo, que somos el país que con más frecuencia y sistematicidad recibe muestras de las más variadas producciones fílmicas de todo el mundo, gracias a los esfuerzos de la Cinemateca de Cuba y de las embajadas respectivas.2008 nos trajo, por ejemplo, semanas de cine uruguayo, guatemalteco, colombiano (en dos ocasiones), mexicano (una de ficción, otra de documentales llamado “Ambulante” y una retrospectiva de los Bracho) en cuanto a Latinoamérica.De Europa recibimos segmentos de las producciones francesa, italiana (dedicada al realizador contemporáneo Paolo Virzí y a los nuevos documentalistas), belga, holandesa, húngara y española muy reciente (el llamado “novísimo cine”). Del exótico Oriente apreciamos otro puñado de films de la India y un grupo de los realizados en Irán. No pocos grandes del séptimo arte, que han contribuido (aún algunos lo hacen)a su desarrollo y su prestigio, recibieron durante 2008 merecido homenaje mediante retrospectivas de sus obras: el brasileño Joaquín Pedro de Andrade, el alemán Alexander Kluge, el polaco Andrjez Wajda y el chino Zhang Yimou, han sido algunos de ellos, mientras que varios actores cuyos aniversarios redondos celebramos (la italiana Ana Magnani, los norteamericanos Richard Widmark, Cyd Charisse, ,el español Manolo Escobar...) estuvieron presentes en la sala Charlot con sus más representativos films. Y hablando de conmemoraciones, los 40 años de dos clásicos indiscutidos del cine cubano (Memorias del subdesarrollo, de Tomás Gutérrez Alea y Lucía, de Humbero Solás) fueron ampliamente recordados mediante conversatorios, exposiciones y, por supuesto, la exhibición de ambos films, en el segundo caso coincidiendo prácticamente con la irreparable pérdida de su realizador, por esos días.En tanto recientes estrenos, la producción nacional puso en las pantallas locales varios títulos que, al margen de su alcance individual, ofrecieron nuevas y enriquecedores visiones sobre la contemporaneidad o la historia: "Kangamba" (Rogelio París), "El cuerno de la abundancia" (Juan Carlos Tabío), "Omertá" (Pavel Giroud), "Los dioses rotos" (Ernesto Darana) y varios documentales, entre los que sobresalen "Desafíos" (Guillermo Centeno), "Bretón es un bebé" (Arturo Sotto), "Volveré y seré millones" (Jorge Fuentes) y "Fuera de liga" (Ian Padrón), algunos dentro del marco de la 30 edición del Festival Internacional del Nuevo Cine latinoamericano, el cual dicho sea de paso, y celebrando la ya tan respetable fecha, desplegó una intensa edición donde se lanzaron proyectos y talleres que incentivarán a mediado plazo la industria y la distribución del cine del/en el área.La máxima fiesta del audiovisual en Cuba y el resto del subcontinente demostró una vez más el poder de convocatoria de nuestro cine y nuestro pueblo para acoger con beneplácito lo mejor del cine internacional, y propiciar el intercambio y la confrontación con hermanos de todas partes, lo cual viene haciendo a través de tres ininterrumpidas y provechosas décadas

Se supone que Mediapro, la productora catalana de Jaume Roures, había llegado a un acuerdo para producir las tres próximas películas de Woody Allen, la primera este año inminente, y que éstas podrían desarrollar sus rodajes en España. Sin embargo, la agencia France Press ha informado que el cineasta neoyorquino quiere hacer su próximo film en París, con respaldo económico galo.El director de "Vicky Cristina Barcelona", película que le está valiendo a la española Penélope Cruz una avalancha de nominaciones y premios, se entrevistó en vísperas de Navidad con la ministra gala de Cultura, Christine Albanel, y anunció que espera poder filmar el próximo verano en la capital francesa, a partir de un proyecto que escribió con anterioridad: "Quise hacerla hace unos años, pero cuando comenzamos a prepararla se convirtió en un proyecto tan caro que no lo pudimos hacer. Ahora hay una nueva política fiscal en París, así que volvemos a ver si es posible"."Será una comedia muy animada y surrealista. En fin, si lo consigo. Si no, será sólo aburrida", comentó el cineasta norteamericano, que tras la película filmada en Barcelona con Scarlett Johansson, Rebeca Hall, Javier Bardem y "Pe" regresó a Nueva York para realizar "Whatever Works", comedia con Larry David que fue coproducida por Francia (Wild Bunch) y llegará a las salas en 2009.En febrero del año que ahora acaba, cuando aún "Vicky Cristina Barcelona" no había sido estrenada, Mediapro anunció que financiaría los tres siguientes films de Allen, a razón de uno por año, y en un comunicado el norteamericano dijo estar ilusionado por "establecer una relación duradera con Mediapro" y añadía: "Estoy convencido de que mis tres próximas películas están en buenas manos".Tres meses después, en el momento del lanzamiento del film en Cannes, y al poco de que el productor Jaume Roures dijera que veía difícil que Allen cumpliera su compromiso por lo "mezquino" de algunas críticas en España sobre las ayudas oficiales de diferentes estamentos a la producción de "Vicky...", el neoyorquino dijo a los periodistas que sí esperaba regresar con su cámara a España.Dijo que intentaría "escribir una historia para una o dos ciudades en España" y, como condición, que esos lugares "sean agradables para que viva mi familia en ese periodo de tiempo". Y citó como ejemplo a Madrid, San Sebastián u Oviedo como emplazamientos para esas posibles películas.El caso es que por ahora la primera cinta que Woody ha dirigido tras su experiencia catalana ha sido en Nueva York y la siguiente podría ser en París... por lo que el supuesto contrato con Mediapro podría quedar en papel mojado... por el Mediterráneo